Clasicismo

El trasfondo histórico de la época del Clasicismo.

En música, se conoce como Clasicismo a la época comprendida entre 1750 y 1820 aproximadamente, coincidiendo con la época cultural y artística denominada en arquitectura, literatura y demás artes, Neoclasicismo. Destacaron en su desarrollo las ciudades de Berlín, París y, sobre todo, Viena.

En este período, compositores de la talla de Mozart, Beethoven o Haynd desarrollaron un estilo de texturas claras, frases simétricas y formas musicales bien definidas (sinfonía, sonata, cuarteto, concierto). Es el momento en que se consolida la tonalidad como sistema de composición, a diferencia del sistema medieval y antiguo que había estado modificándose en estilos anteriores, llamado modalidad.

Este período coincide con un momento fundamental para la historia, como es el paso de la Edad Moderna a la Contemporánea. La sociedad del XVIII sigue manteniendo los patrones de siglos anteriores, con una nobleza que se sitúa en la cima de la pirámide social, alrededor de las monarquías absolutistas, una burguesía que ha ido incrementando su riqueza mediante el comercio y los negocios, y que a menudo quiere acceder al status de la nobleza, y un pueblo llano que sigue manteniendo los campos de cultivo y la producción a costa de gran esfuerzo y pocas alegrías. Esta situación llevará a finales del siglo a importantes hitos de la historia como la Revolución Francesa.

En este ambiente social se desarrolló una música amable, a medida de las necesidades de la nobleza, que no quería dramatismos en el arte que la rodeaba. Sin embargo, algunos compositores comienzan a dar muestras de rebeldía y a tratar de prescindir del mecenazgo de los nobles, para componer a su antojo. Es el caso de Beethoven, considerado uno de los primeros músicos románticos. Debes tener en cuenta que es un período relativamente breve, de modo que coinciden compositores que componen de manera antigua (Barroco) y otros (como hemos dicho de Beethoven) que ya adelantan la música del futuro.

Los músicos o compositores más importantes de la época y sus obras más relevantes. 

Franz Joseph Haydn (1732-1809)

Fue un compositor austriaco. Considerado el padre de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas. Junto a Mozart y Beethoven, Haydn es una de las figuras claves del clasicismo. Su obra comprende 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47 sonatas para piano, 26 operas y 4 oratorias, además de algunas misas y un Stabat Mater. Sus obras más importantes son:

• Sinfonía número 92 en Sol Mayor, completada para el año 1789 y tomo el nombre de “Oxford”. 
• La Creación (Oratorio), Coral e instrumental. 

 Wolfgang A. Mozart (1756-1791)

Compositor austriaco. Conocido como el más grande genio de la música de todos los tiempos. Con solo 35 años de vida cultivo todos los géneros desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la música de cámara. Su catalogo cuenta con más de 600 obras. Comenzó a componer a los seis años. Mozart junto a Beethoven y Haydn fueron la cúspide del clasicismo musical. Algunas de sus obras más relevantes fueron:

• El Requiem es una misa fúnebre en re menor. 
• La Sinfonía N. 40 en sol menor (1788).

Ludwing Van Beethoven (1770-1827)

Compositor, director de orquesta y pianista alemán. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior. Las obras más importantes de Beethoven se pueden resumir en 9 sinfonías, 7 conciertos (5 para piano, uno para violín y un triple concierto para piano, violonchelo y violín), 16 cuartetos de cuerda, 32 sonatas para piano, 10 sonatas para violín y piano, 5 sonatas para violonchelo y piano, una ópera, Fidelio, 2 misas y la Misa Solemne, opus 123, varias oberturas y numerosas variaciones para piano. Las obras más relevantes de Ludwing Van Beethoven son:

• Las Nueve Sinfonías.
• La 3ra Sinfonía o mejor conocida como "Heroica", en Mib mayor (1804). 
• La 5ta sinfonía de Beethoven en do menor (1808). 
• La 9na Sinfonía en Re menor, también conocida como, “Coral”.

Pintores o escritores más importantes. 
Escritores

Pintores
Jacques-Louis David (1748 - 1825)

Fue un pintor de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen.

Juramento de los Horacios de 1784

La Muerte de Sócrates (1787)

Joshua Reynolds (1723 – 1792)

Fue uno de los más importantes e influyentes pintores ingleses del siglo XVIII, especialista en retratos y promotor del "Gran estilo" en pintura que dependía de la idealización de lo imperfecto. Fue uno de los fundadores y el primer Presidente de la Royal Academy. El rey Jorge III apreció sus méritos y lo nombró caballero en 1769.

Mr. James Bourdieu 

(Museo del Prado)

Eventos históricos y culturales de la época. 

Características generales de la música; armonía, textura, melodía, ritmo, etc. 

• Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo).
• Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente (o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en las armonías de dominante y tónica, respectivamente.
• Armonías muy claras y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. El ritmo armónico (velocidad a la que cambian los acordes) suele ser más lento que en el Barroco: es típico el acompañamiento arpegiado llamado bajo de Alberti en el piano, o el trémolo en el acompañamiento orquestal.
• Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
• Compás muy claro y regido también por la armonía.
• Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del ejecutante. 
• Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico. 

Tipos de composiciones y formas de la música coral e instrumental de la época.

Formas instrumentales 

Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que están destinadas:

• La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien para piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.). 
• El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas respectivamente para tres, cuatro, cinco... instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas plantillas fijas, como la del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento. 
• La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de viento), para ser interpretados al aire libre. 
• El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta. 
• La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.

La formas vocales 

Ya desde inicios del siglo XVIII se había convertido en un fastuoso espectáculo de corte, a través del cual los monarcas y aristócratas exhibían su esplendor. Los temas se referían a la mitología y representaban grandes tragedias lírico-heroicas, montadas con gran aparato: era la llamada ópera seria, cantada en italiano.

Por el contrario, las clases sociales menos favorecidas contaban con su propio teatro musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones satírico-burlescas. De breve duración y argumento simple, recurren a la expresión directa en lenguaje coloquial y se sirven de dos o tres personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en los que desde luego están ausentes los coros y cobra la mayor importancia la melodía popular de fácil construcción. La opera buffa ganó importancia y nivel artístico durante el Clasicismo, y aparecieron además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en España y la opéra-comique en Francia.

La música religiosa 

Un gran número de compositores siguió adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron escribiendo por tanto formas religiosas como la misa y el motete, en general para orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente arcaico. Un ejemplo muy conocido de este género es el Requiem de Mozart.

Ejemplos: